Martyna Miller
– born in 1988 in Kętrzyn – interdisciplinary artist, filmmaker and anthropologist, studied in Warsaw and Sarajevo, received her doctorate in fine arts from the University of Fine Arts in Poznań (under Izabella Gustowska). Co-founder of the Polanki duos and the TYNA collective. Since 2018, she has been co-leading the DOMIE project in Poznań, an experimental endeavour at the intersection of art, architecture and social sciences. Her projects explore the relationship between memory and the body. Through memories and their reconstructions, she creates methods to work with the mediality of experience. She is interested in the relationship between nature and community in processes of healing, production and transformation. Her recent projects, such as Memory Carp, Intimacy of Waters and Sexinsitu, analyse individual and collective relationships with water and the ocean, entering the space of hydro-activism. She uses video, performance, sound and more. Her works are often in the form of series, collections, gestures, fragments of broader explorations. She is a scholarship holder of the Minister of Culture and National Heritage (2014), winner of the SIGMA Scholarship (2013-2015) and the TOKAS residency in Tokyo (2020).
For me, art is a space of escape from reality, which, as a result of a series of traumas experienced in my childhood, I needed in order to reassemble the shattered fragments within me. For this reason, apart from material constraints, although I have always been artistically active, I did not choose to study art in the first place. It’s only been a few years since I’ve exhibited my work and defined myself as an artist. Previously, I worked in the humanities, creating experimental cultural venues (which I still do today), as well as theatre and film (I studied directing at the Academy of Performing Arts in Sarajevo, where works such as the performance Bezgrijesnost, 2013, the video inspired by it Nesigurnost, 2015, the film History of the Eye, 2015, and the process of working on the video Turtle’s Dream, completed in 2019, has begun).
Art was simply part of my life – I was experimenting with my body, my condition, my narrative about myself, the roles I played socially. In 2010 I performed an act of apostasy as the first person in the history of my locality. This event is linked to the film Communion. Reconstruction1, which I made together with members of my family and the Parish of Korsze between 2018 and 2020. It is one of many projects in which I refer to archival video footage (not only family footage).
At the age of 21, I got rid of all my possessions and then lived for a year in a car, without a house, in nature and isolation. It was a formative experience for me that I will often return to. Precariousness, uprooting, nomadism, on the one hand, were the consequences of the violence I experienced, and on the other hand, the only imaginable space giving me the possibility to express myself – it was within the framework of performance, representation or action that I found the power to confront the successive waves of subconscious memories affecting me.
In my art I raise questions about violence, happiness, pain, about boundaries and the need to cross them. I focus on questions of movement and its blockages, causality, subjectivity. At the centre of my interest is above all the communal dimension of experience. I am interested in processes of healing and support, collective care and working for change. At the same time, I look for spaces of transgression and confrontation – I do not avoid themes and experiences of sadness, transgression, violence, trauma. I work with desires, I postulate looking at our experiences in the context of knowledge production and work, as well as technological change. Some of my more recent work deals with theories of posthumanism and hydro-feminism. I link these to work with emotions and actions with other people. For the past six years, I have been doing a project on sexuality, building an archive of sexual experiences based on a method I developed for working with memory and the body in movement (sexinsitu, 2016 – to date). These themes accompanied me in my life and became successive obsessions, taking the form of research. With subsequent experiences, they became a resource for my work. Recurring themes for me include precarity, class and violence (especially domestic violence), rape, trauma, PTSD (post-traumatic stress disorder) and nomadism, relationships with water, land, landscape, as well as sexuality, love and relationships. To function in an art space and to be able to create, to experience, is, in my opinion, a great privilege. Presence, engagement, effort and rest are of great importance in my work.
Understanding that the social far exceeds the human has allowed me to fully articulate and express myself artistically. I am inspired by natural phenomena and non-human entities, and through them I try to “reweave the social”2. When it became clear to me that the mechanisms of our life and sensing extend to the world of all organisms, the feeling of suffering, as well as responsibility and the process of artistic production, gained new meanings for me. I partly moved out of the city. In Bory Tucholskie, where I have found a home, I am carrying out a project called No Forest345 – this is a multi-year planned work with a mound of roots strewn after the 2017 Storm, which, by agreement with the Rytel Forestry Commission, I have come to care for.
My work is a process. The majority of my projects are growing, transforming, sedimenting, perennial entities – my individual bridges between past and future, my worlds, my realms. By focusing on experience, my privacy is intertwined with the external, and the two spheres influence each other. It is not only a process, but also a form of self-therapy – by intervening in the public, I change the private. I see most of my actions as a form of intra-action exchanges, building networks of interdependence, collective histories, as a form of being among others6. Art is my valve when all else fails. It was in art that I found reference points for my trauma, where images and content emerged that allowed me to work with this wounded place. The greatest reward is to hear from the people participating in the collaborative activities that my projects are able to respond to their “inner cry”.
My practice comes from theatre and field research (I studied cultural anthropology). Over time I began to refine my work in the media of film and video, which bring together the areas that interest me most: memory and the body. I liked the tension between being in front of and behind the camera – in my work I am often here and there. Video, however, has always been secondary to the fascination of the project in the making, rather a form of documentation, a recording of states and phenomena, originating in an experience, a memory, a reconstruction or an experiment. Today, my projects are performative laboratories, collective gatherings, elements of broader explorations and long-term participations. They take on a quasi-research form. They oscillate around alternative systems of economy, production and distribution, and are based on exchanges and collective explorations. They are very often participatory works in which I collect and organise stories, experiences, fragments of work with the body or memories (including DOMIE, 2018-present789, Stealing Men, 20161011, Mueller Martini, 2018, Harvest Queen, 201412, Turista, 2010, Mimika fx, 2015, Energy Trees, 2021, View from the Window, 2022, Memorycarp, 20201314, activities within the framework of Polanki with Olga Szymula – Death and Girls, 2015 and Dissection, 2016.
For years, I faced misunderstanding in my immediate environment, violence and poverty. I fled from these, first from my post-war family home, from Masuria, then from the country, while crossing other boundaries: those of taboo, shame and resilience. It is not insignificant that my story was marked by the systemic violence that affected my region in the process of transformation171819.
With the process of healing the trauma and the realisation of one of my most important projects – sexinsitu – I have opened up to relationships, friendship and I am learning to love202122. For a long time my professional life was mixed with my private life. Art was my life, the only reality available to me. It was radical, and therefore very alienating and exhausting – the conviction that everything I do matters and bears witness. No respite, no slack, no opportunity for rest. It is a vision that is threatening and authoritarian. In the process of the sexinsitu project, I had the opportunity to experience in depth and then work through these mechanisms. Today I do not return to them, it is a closed chapter. I now divide my time between being an artist, cultural worker, caregiver, wife, lover, stepmother, friend, aunt, daughter and sister. I still face issues of stability and financial independence. I do a lot of projects on a voluntary basis, it’s basically a form of cultural activism. However, it no longer scares me the way it used to. As a child I was on my own, today I am no longer. I also don’t think that my conditions are particularly different from those of my artist friends and acquaintances.
Text written in collaboration with Bogna Stefanska (2022).
1Image: Martyna Miller, Communion. Reconstruction, frame from film, 2018-2020. Courtesy of the artist.2The artist refers to Bruno Latour. See: Reassembling the Social: An Introduction to Actor-Network Theory, Oxford University Press 2005.
3Image: Martyna Miller, Forest stoop (Lack of Forest project, 2018-present), photograph, 2020. Courtesy of the artist.
4Image: Martyna Miller, Forest stoop (Lack of Forest project, 2018-present), photograph, 2020. Courtesy of the artist.
5Image: Martyna Miller, Forest stoop (Lack of Forest project, 2018-present), photograph, 2020. Courtesy of the artist.
6Karen Barad, Meeting the Universe Halfway: Quantum Physics and the Entanglement of Matter and Meaning, Duke University Press, Durham, North Carolina 2007.
7Image: DOMIE, Poznań, photo by Tytus Szabelski. Courtesy of the artist.
8Image: DOMIE, Poznań, photo by Martyna Miller. Courtesy of the artist.
9Image: DOMIE, Ruins Unite, in the window of the Museum of Modern Art in Warsaw on Pańska Street, Warsaw Under Construction, 2021, photo by Martyna Miller. Courtesy of the artist.
10Image: TYNA, Stealing Men, 2016, courtesy of the TYNA collective.
11Image: TYNA, Stealing Men, 2016, courtesy of the TYNA collective.
12Image: Martyna Miller, Harvest Queen, photography by Marie Dix. Courtesy of the artist.
13Image: DOMIE, View from the Window, 2022. courtesy of the artist.
14Image: DOMIE, View from the Window, 2022. courtesy of the artist.
15Image: Martyna Miller, Memory Carp, video, 2020, courtesy of the artist.
16Image: Martyna Miller, Memory Carp, installation view, Tokyo Arts and Space Residency (TOKAS) at the Museum of Contemporary Art, Tokyo, 2020. Courtesy of the artist.
17Image: Martyna Miller, Turtle Dream, frame from film, 2019 - courtesy of the artist.
18Image: Martyna Miller, Turtle Dream, frame from film, 2019 - courtesy of the artist.
19Image: Martyna Miller, Turtle Dream, frame from film, 2019 - courtesy of the artist.
20Image: Martyna Miller, sexinsitu, 2016 - to date. Courtesy of the artist.
21Image: Martyna Miller, sexinsitu, 2016 - to date. Courtesy of the artist.
22Image: Martyna Miller, sexinsitu, 2016 - to date. Courtesy of the artist.
23Image: TYNA collective, Gesture. Courtesy of the artist.
24Image: TYNA collective, Gesture. Courtesy of the artist.
25Image: TYNA collective, Gesture. Courtesy of the artist.
26Image: the TYNA collective, workshop in Hamburg, 2016. courtesy of the artist.
27Image: Martyna Miller, Cowing, album, 2018. courtesy of the artist.
28Image: Martyna Miller, Cowing, frame from film, 2018. courtesy of the artist.
29Image: Martyna Miller, Cowing, 2018, courtesy of the artist.
30Martyna Miller, Cowing, photographic documentation, 2018. Courtesy of the artist.
31Image: Martyna Miller, Cowing, exhibition view, 2018. courtesy of the artist.
32Image: Martyna Miller, Peretz. Things. Machine, video, 2016. courtesy of the artist.
33Image: Martyna Miller, Plastic Ghosts of Kikukawa, video, Tokyo Arts and Space Residency (TOKAS) at the Museum of Contemporary Art, Tokyo, 2020. Courtesy of the artist.
34Image: Arrivals, Martyna Miller, protest at Zachęta, 2022, photo, Jakub Szafrański. Courtesy of the artist.
35Image: Arrivals, Martyna Miller, protest at Zachęta, 2022, photo by Liubov Gorobiuk. Courtesy of the artist.
36Image: Arrivals, Martyna Miller, protest at Zachęta, 2022, photo by Liubov Gorobiuk. Courtesy of the artist.
37Image: Arrivals, Martyna Miller, protest at Zachęta, 2022, photo by Liubov Gorobiuk. Courtesy of the artist.
— urodzona w 1988 roku w Kętrzynie – interdyscyplinarna artystka, reżyserka i antropolożka, studiowała w Warszawie i Sarajewie, dyplom doktory sztuk pięknych otrzymała na Uniwersytecie Artystycznym w Poznaniu (u Izabelli Gustowskiej). Współtwórczyni duetów Polanki i kolektywu TYNA. Od 2018 roku w Poznaniu współprowadzi projekt DOMIE, eksperymentalne przedsięwzięcie na pograniczu sztuki, architektury i nauk społecznych. W swoich projektach bada związki pamięci i ciała. Poprzez wspomnienia i ich rekonstrukcje tworzy metody pracy z medialnością doświadczenia. Interesują ją związki między naturą i społecznością w procesach zdrowienia, produkcji i transformacji. Jej ostatnie projekty, takie jak Memory Carp, Intimacy of Waters czy Sexinsitu, poddają analizie indywidualne i kolektywne relacje z wodą i oceanem, wchodząc w przestrzeń hydro-aktywizmu. Wykorzystuje wideo, performance, dźwięk i inne. Jej prace to często cykle, zbiory, gesty, fragmenty szerszych poszukiwań. Stypendystka Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego (2014), laureatka Stypendium SIGMA (2013-2015) oraz rezydencji TOKAS w Tokio (2020). Jej prace pokazywane były m.in. w Nowym Teatrze w Warszawie, Teatrze Powszechnym w Warszawie, Teatrze Dramatycznym w Warszawie, Teatrze Współczesnym we Wrocławiu, Sort/Hvid w Kopenhadze, Teatrze Nordkraft w Aalborg, Kampnagel w Hamburgu, Zachęta. Narodowa Galeria Sztuki w Warszawie, Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Warszawie, Galeria Miejska Arsenał w Poznaniu, Gdańska Galeria Miejska, BWA Wrocław Główny, BWA Zielona Góra i wielu innych.
Sztuka jest dla mnie przestrzenią ucieczki od rzeczywistości, której w wyniku szeregu doświadczonych w dzieciństwie traum potrzebowałam, aby poskładać roztrzaskane we mnie fragmenty. Z tego powodu, poza ograniczeniami materialnymi, choć od zawsze byłam artystycznie aktywna, nie zdecydowałam się w pierwszej kolejności na studia artystyczne i dopiero od kilku lat wystawiam swoje prace, określam się mianem artystki. Wcześniej zajmowałam się humanistyką, tworzeniem eksperymentalnych miejsc kulturalnych (co zresztą robię do dziś), a także teatrem i filmem (studiowałam reżyserię w Academy of Performing Arts w Sarajewie, gdzie powstały takie prace jak spektakl Bezgrijesnost, 2013, inspirowane nim wideo Nesigurnost, 2015, film Historia Oka, 2015, a także rozpoczął się proces pracy nad ukończonym w 2019 Snem Żółwia).
Sztuka była po prostu częścią mojego życia – eksperymentowałam z własnym ciałem, kondycją, narracją o sobie, odgrywanymi społecznie rolami. W 2010 roku dokonałam aktu apostazji jako pierwsza osoba w historii mojej miejscowości. To wydarzenie związane jest z filmem Komunia1. Rekonstrukcja, który zrealizowałam razem z członkami mojej rodziny oraz Parafią w Korszach w latach 2018-2020. To jeden z wielu projektów, w którym odwołuję się do materiałów archiwalnych wideo (nie tylko rodzinnych).
W wieku 21 lat pozbyłam się wszystkich posiadanych rzeczy, a następnie przez rok żyłam w samochodzie, bez domu, w naturze i odosobnieniu. To było dla mnie formacyjne doświadczenie, do którego często będę wracać. Prekarność, wykorzenienie, nomadyzm, z jednej strony były konsekwencją doświadczonej przeze mnie przemocy, a z drugiej jedyną wyobrażalną przestrzenią dającą mi możliwość ekspresji – to właśnie w ramach performansu, przedstawienia czy działania znajdowałam moc, aby konfrontować się z kolejnymi falami podświadomie oddziałujących na mnie wspomnień.
Bycie artystką jest dla mnie stanem, w którym funkcjonuję i działam; wiedzą, która przyszła do mnie z zewnątrz, zanim sama zaczęłam określać się artystką. Tak po prostu zawsze było – tworzyłam, działałam twórczo, organizowałam wokół siebie ludzi. Od niedawna staram się odzyskiwać sprawczość i nadawać odpowiedni tor, tempo i wymiar moim działaniom – właśnie jako artystka.
W mojej sztuce stawiam pytania o przemoc, szczęście, ból, o granice i potrzebę ich przekraczania. Skupiam się na kwestiach ruchu i jego blokadach, sprawczości, podmiotowości. W centrum mojego zainteresowania jest przede wszystkim wspólnotowy wymiar doświadczania. Interesują mnie procesy zdrowienia i wsparcia, kolektywnej troski i pracy na rzecz zmiany. Jednocześnie szukam przestrzeni transgresji i konfrontacji – nie omijam tematów i doświadczeń związanych ze smutkiem, przekroczeniem, przemocą, traumą. Pracuję z pragnieniami, postuluję spojrzenie na nasze doświadczenia w kontekście produkcji wiedzy i pracy, a także zmian technologicznych. Część moich nowszych prac dotyczy teorii posthumanizmu i hydrofeminizmu. Łączę je z pracą z emocjami i działaniami z innymi ludźmi. Od sześciu lat realizuję projekt poświęcony seksualności, budując archiwum seksualnych doświadczeń w oparciu o wypracowaną przeze mnie metodę pracy z pamięcią i ciałem w ruchu (sexinsitu, 2016 – do dziś). Te tematy towarzyszyły mi w życiu i stawały się kolejnymi obsesjami, przyjmowały formę badań. Wraz z kolejnymi doświadczeniami, stawały się zasobem dla mojej pracy. Powracające do mnie tematy to prekarność, klasowość i przemoc (zwłaszcza przemoc domowa), gwałt, trauma, PTSD (zespół stresu pourazowego) i nomadyzm, relacje z wodą, ziemią, krajobrazem, a także seksualność, miłość i relacje. Funkcjonowanie w przestrzeni sztuki i możliwość tworzenia, przeżywania, jest według mnie ogromnym przywilejem. W mojej pracy duże znaczenie ma obecność, zaangażowanie, wysiłek i odpoczynek.
Zrozumienie, że to, co społeczne przekracza daleko to, co ludzkie, pozwoliło mi w pełni artykułować i wyrażać się artystycznie. Inspirują mnie zjawiska naturalne i byty poza-ludzkie, i za ich pomocą staram się „splatać na nowo to, co społeczne”2. Kiedy stało się dla mnie jasne, że mechanizmy naszego życia i odczuwania rozciągają się na świat wszystkich organizmów, odczuwanie cierpienia, a także odpowiedzialność i proces produkcji artystycznej, zyskały dla mnie nowe znaczenia. Częściowo wyprowadziłam się z miasta. W Borach Tucholskich, gdzie znalazłam dom, realizuję projekt Brak Lasu345 – jest to zaplanowana na wiele lat praca z kopcem korzeni usypanych po Nawałnicy w 2017 roku, który na mocy porozumienia z Nadleśnictwem Rytel, wzięłam pod opiekę.
Myślę o mojej praktyce artystycznej jako facylitacji ważnych dla mnie historii i społecznych procesów. Jestem córką nauczycieli z prowincji i dlatego przywiązuję wagę do procesów wspierania i edukacji – pracy często niedocenianej i niewidocznej, ale jeśli wykonywanej z odpowiednią intencją i zaangażowaniem, dającej ogromną satysfakcję. Na różnych etapach mojej twórczej pracy wracałam więc do społecznego wymiaru moich działań jako oczywistej ramy i drogowskazu dla pomysłów. Działania animacyjne, włączające, transformujące traktuję poważnie. Chcę dzielić się moim doświadczeniem rzeczywistości – to realna strategia tworzenia dróg komunikacji z innymi, w której tematy dla mnie ważne mają szansę wybrzmieć, znaleźć swoją formę i kształt.
Moja praca to proces. Większość moich projektów to obrastające, transformujące, sedymentujące, wieloletnie byty – moje indywidualne mosty między przeszłością i przyszłością, światy, królestwa. Skupienie na doświadczeniu sprawia, że moja prywatność przeplata się z tym, co zewnętrzne, i obie te sfery wpływają na siebie. Jest to nie tylko proces, ale także forma autoterapii – interweniując w to, co publiczne, zmieniam to, co prywatne. Ten proces jest stały. Widzę większość moich działań jako formę intra-akcyjnych wymian, budowania sieci współzależności, zbiorowych historii, jako formę bycia wśród innych6. Sztuka jest moim wentylem, kiedy wszystko inne zawodzi. To w sztuce odszukiwałam punkty odniesienia dla mojej traumy, tam pojawiały się obrazy i treści, które pozwalały mi z tym rannym miejscem pracować. Największa nagroda to usłyszeć od osób uczestniczących we wspólnych działaniach, że moje projekty są w stanie odpowiedzieć na ich „wewnętrzny krzyk”.
Moja praktyka wywodzi się z teatru i badań terenowych (studiowałam antropologię kulturową), przez lata bliskie mi były praktyki performatywne, eksperymenty z publicznością i wobec niej. Z biegiem czasu zaczęłam udoskonalać pracę nad medium filmowym i wideo, które łączą przestrzenie najbardziej mnie interesujące: pamięć i ciało. Podobało mi się napięcie pomiędzy byciem przed i za kamerą – w moich pracach często jestem tu i tam. Wideo jednak zawsze było wtórne wobec fascynacji tworzącym się projektem, raczej formą dokumentacji, zapisu stanów i zjawisk, mającą swoje źródło w przeżyciu, wspomnieniu, rekonstrukcji lub eksperymencie. Dziś moje projekty to performatywne laboratoria, kolektywne zbiory, elementy szerszych poszukiwań i wieloletnich partycypacji. Przyjmują formę para-badawczą. Oscylują wokół alternatywnych systemów ekonomii, produkcji i dystrybucji, są oparte o wymiany i wspólne poszukiwania. Bardzo często są to prace partycypacyjne, w których zbieram i porządkuję opowieści, doświadczenia, fragmenty pracy z ciałem lub wspomnieniami (między innymi DOMIE789, 2018-do dziś, Stealing Men 20161011, Mueller Martini, 2018, Harvest Queen, 201412, Turista, 2010, Mimika fx, 2015, Drzewa energetyczne, 2021, Widok z okna, 20221314, Memorycarp, 20201516, działania w ramach Polanek z Olgą Szymulą – Śmierć i dziewczyny, 2015 oraz Rozbiór, 2016 roku).
Przez lata mierzyłam się z niezrozumieniem w najbliższym otoczeniu, przemocą i biedą. Uciekałam przed nimi, najpierw z powojennego domu rodzinnego, z Mazur, następnie z kraju, jednocześnie przekraczając inne granice: tabu, wstydu i wytrzymałości. Nie bez znaczenia pozostaje fakt, że moja historia naznaczona była systemową przemocą, która dotknęła mojego regionu w procesie transformacji. Tym bardziej absurdalny jest dla mnie fakt, że moim sąsiadem jest dzisiaj Leszek Balcerowicz. Chciałabym poświęcić temu oddzielny projekt. W innej pracy zajęłam się postacią Tadeusza Mazowieckiego, kiedy podczas studiów w Sarajewie eksplorowałam temat doświadczenia zbiorowej traumy i jej dziedziczenia (film Sen żółwia, 2019171819, w którym wspominam moment śmierci Tadeusza Mazowieckiego z perspektywy ulic Sarajewa).
Wraz z procesem leczenia traumy i realizacją jednego z moich najważniejszych projektów – sexinsitu – otworzyłam się na relację, przyjaźń, uczę się kochać202122. Przez długi czas moje życie zawodowe mieszało się z prywatnym. Sztuka to było moje życie, jedyna dostępna dla mnie realność. To było radykalne, a przez to bardzo alienujące i wyczerpujące – przekonanie, że wszystko, co robię ma znaczenie i daje świadectwo. Bez wytchnienia, luzu, bez możliwości odpoczynku. To wizja groźna i autorytarna. W procesie realizacji projektu sexinsitu miałam możliwość dogłębnego doświadczenia, a następnie przepracowania tych mechanizmów. Dziś do nich nie wracam, to zamknięty rozdział. Teraz dzielę swój czas pomiędzy bycie artystką, pracowniczką kultury, opiekunką, żoną, kochanką, macochą, przyjaciółką, ciocią, córką i siostrą. Wciąż mierzę się z kwestiami stabilizacji i niezależności finansowej. Wiele projektów wykonuję wolontaryjnie, jest to w zasadzie forma kulturalnego aktywizmu. Jednak nie przeraża mnie to już tak, jak kiedyś. W dzieciństwie byłam sama, dziś już nie jestem. Nie sądzę też, że moje warunki odbiegają specjalnie od warunków życia moich znajomych i przyjaciółek-artystek.
Moja tożsamość płciowa jest płynna, ale doświadczałam przemocy jako kobieta, co na długo zdeterminowało moje podejście do samoidentyfikacji. Wiele projektów poświęcam kwestiom tożsamości, także tożsamości płciowej, chociaż bliska jest mi perspektywa intersekcjonalna: nie tylko współpracuję z różnymi osobami czy grupami, ale także włączam w moją pracę kwestie klasy, pochodzenia czy innych form wykluczenia. Pierwszym projektem bezpośrednio adresującym ten temat jest PRC, tworzony razem z Tiną Keserović. Jest to międzypokoleniowa platforma wymiany i wsparcia, w której nasz kolektyw – TYNA – dostarcza narzędzi do krytycznego obserwowania i dzielenia się przemocowymi sytuacjami23242526. Inspiracją do projektu był gest, którego Tina nauczyła się od swojej babci. Gest reprezentowany jest w postaci graficznego znaku przedstawiającego profil dłoni widzianej z perspektywy drugiej osoby – mały palec wysuwa się naprzód, kciuk pozostaje niewidoczny, a zgięty środkowy palec to odrętwiałe centrum, wokół którego, w akcie wsparcia, tańczą pozostałe palce. Prc został pomyślany jako narzędzie, które pomaga je zauważyć, wskazać i zakomunikować sytuacje systemowych opresji.
W projekcie Krowienie2728293031 mierzyłam się z procesem wchodzenia w relację z mężczyzną (moim obecnym mężem) oraz tworzeniem struktury rodzinnej. Wtedy też przeprowadziłam się do Warszawy, zmieniłam perspektywę z wiejskiej na miejską. W wideo porównuję moją kondycję do krowy – poddawanej inseminacjom, oczekiwaniom zwiększania wydajności, jej podległości, sprawczości i przyjemności. W projekcie eksploatacja i przemoc mieszają się z dążeniem do upragnionego odpoczynku i relaksu – przyglądam się pozycji leżącej krowy, zadając pytanie o to, czy jest to gest oporu, czy raczej podległości, czy może w systemie patriarchalnym to nie jest jedno i to samo. Ofiarami patriarchatu są przedstawicielki i przedstawiciele wszystkich płci. Dlatego też wydaje mi się, że ostateczna stawka znajduje się poza różnicą genderową – jest raczej kwestią świadomości, internalizacji określonych wartości, odpowiedzialności, relacji, zdrowia psychicznego, a nie płci biologicznej.
Urodziłam się w późnych latach osiemdziesiątych i miałam nieszczęście trafiać w miejsca przepełnione systemową przemocą, związane z edukacją akademicką i przemysłem kultury. To była wieloletnia, nieświadoma walka, z której wyszłam bardzo poobijana. Nie było jeszcze struktur pomocowych, dostępnej wiedzy, do której można by się odnieść, sojuszy. Wielokrotnie odsuwałam się od świata sztuki, żeby zająć organizacją miejsc lub wydarzeń – była to forma odzyskiwania kontroli, dbania, aby inne osoby nie doświadczyły tego rodzaju przemocy i osamotnienia. Mam nadzieję, że jest to jednak pieśń przeszłości – dziś dostrzegam wiele nowych, progresywnych postaw, instytucji, osób, dla których nie jest ważne wyłącznie „co”, ale także „jak” – produkcja, proces i relacje znajdują się w centrum ich praktyki. Tej tematyce poświęciłam pracę wideo Perec. Rzeczy. Maszyna (2016)32, zrealizowaną w Pałacu Kultury i Nauki z udziałem Andrzeja Chyry i Magdy Cieleckiej.
Przez to, że walczę z PTSD, wiele treści tworzy się we mnie w wyniku specyficznych reakcji mojego ciała i wynikającej z niego pracy mojego mózgu, sposobu w jaki interpretuję rzeczywistość. Moja teraźniejszość jest krucha, intymna, oparta o osobiste przeżycia, związana z przepracowywaniem bólu. Jest podyktowana logiką kolejnych flashbacków, niezagojonych ran. To one miały na mnie największy wpływ. Kwestie społeczno-polityczne są nie tylko przedmiotem mojej sztuki, ale też mojej codzienności – społecznego zaangażowania i aktywizmu, który jest dla mnie nierozłączny z praktyką artystyczną. Te sfery, przecinają się, dopełniają i wspomagają3334353637.
Tekst napisany we współpracy z Bogną Stefańską (2022).
1Zdjęcie: Martyna Miller, Komunia. Rekonstrukcja, kadr z filmu, 2018-2020. Dzięki uprzejmości artystki.3Zdjęcie: Martyna Miller, Stóg lasu (projekt Brak lasu, od 2018 - do dzisiaj), zdjęcie, 2020. Dzięki uprzejmości artystki.
7Zdjęcie: DOMIE, Poznań, fot. Tytus Szabelski. Dzięki uprzejmości artystki.
31Zdjęcie: Martyna Miller, Krowienie, widok wystawy, 2018. Dzięki uprzejmości artystki.
